音乐家的故事一：
肖伯纳的忠告
著名小提琴家海费茨在伦敦初次演出以后，英国大文豪肖伯纳走进演员休息室，对年轻的演奏家忠告道：“世界上不可能有十全十美的东西，否则的话会遭到上帝嫉妒的。我劝你每天晚上睡觉以前至少拉一个不准的音”。
克莱斯勒的遭遇
奥地利小提琴家克莱斯勒，有一次在街上溜达，看见旧货店的一个橱窗里摆着一把小提琴，很感兴趣。一看乐器的牌号虽然没有，价钱却很高。他就进到店里面去，从自己的琴盒里拿出来和那把陈列的小提琴作比较。店主对他说：“您等一会儿！我先出去一下”。他立刻带着警察回来了。他喊道：“快逮住这个人，他偷了克莱斯勒的小提琴！”克莱斯勒身上没有带任何证件，怎样辩解店主也不相信，只有当他拉了一段自己创作的《美丽的迷迭香花》以后，店主才相信他面前的这个人就是著名的小提琴家克莱斯勒。
不会再出错音了
有一次，意大利著名指挥家托斯卡尼尼给乐队排练时大为恼火。在要演出的交响乐中，竖琴演奏员应当只奏出一个音，但他总碰别的弦，托斯卡尼尼不得不让乐队从头开始，但是轮到演奏竖琴的时候，竖琴演奏员又犯同样的错误。托斯卡尼尼决定给他点教训。
晚上，在音乐会开始以前，演奏员开始集合。倒霉的竖琴演奏员到自己的座位上，开始把琴套褪下来，他大吃一惊：别的弦全都失踪了，只剩下弹那个音所需要的那根。
托斯卡尼尼对乐器的音色非常敏感。有一次，他在同纽约管弦乐团排练时，忽然让演奏停下来，指着一个小提琴手问道：“您今天用的是另一把小提琴吧？”“对，我那把小提琴忘在家里了。”托斯卡尼尼对他说“快点把自己的琴取来，拉自己的那把！”
奇怪的顾客
约翰·施特劳斯到鞋店去买鞋。他试了几十双以后，绝望地摆手道：“看来在这里我找不到我要的了。”店员问道：“您要什么样的呢？”“我要两只走起路来发出同度音的吱吱声的鞋。”圆舞曲大王回答道。
约翰·施特劳斯作曲轻而易举。据说，通常他在饭店里同朋友们共进晚餐时，就在碰杯的喧闹声中写出自己的华尔兹舞曲，更妙的是：这位华尔兹舞曲作曲家一生中从来没有跳过华尔兹。
信手拈来的赋格曲
威尔第身上总带一个五线谱本，每天都在这本上记一首新赋格曲。在这些本中可以找到令人吃惊的东西，因为任何喧哗的声音——卖冰激凌的小贩叫卖声、船夫的呼唤声、打场的农民和葡萄园工人的喊叫声，偶然听到的一句话的音调，他都当作赋格曲的主题。有一次他在参议院，邻座的议员们大为惊讶：他把议会里辩论的吵闹声写成满满的四张谱纸的一首长而复杂的赋格曲。
音乐家的故事二：
一位寿终正寝的音乐家来到天堂向上帝报到。
“听说你谱写的乐曲都很出名？”上帝对音乐家的素有耳闻。
“不敢当。”音乐家谦虚。
“你能不能演奏一支曲子给我听听？”上帝问。
“没问题。这是我的荣幸！”音乐家一口答应。
于是，音乐家用小提琴演奏了他的成名曲——《来世再当音乐家》。
上帝听得如痴如醉。
曲毕，上帝依依不舍地离开音乐世界。
“果然名不虚传！”上帝评价。
“谢谢夸奖！”音乐家笑着说。
“你是个音乐天才，下辈子应该再当音乐家。”上帝说。
“您的意思是……”音乐家激动地问。
“我想让你到人间继续当音乐家。”上帝告诉他。
“太好了！谢谢您！”音乐家激动得喘不过气来。他热爱音乐。
上帝吩咐秘书把地球上所有的孕妇的资料拿出来，让音乐家选择到谁的肚子里投胎。
在音乐家到上帝哪里报到的第二天，音乐家离开了天堂。
当音乐家再一次来到人间时，世界在他眼中依然是美好的：蓝色的天空、绿色的大树、魁伟的高山……这是一个五彩缤纷的世界！
音乐家的新任爸爸是个画迷，他对美术的喜爱简直到了如痴如醉的地步，遗憾的是他没有当上画家，因为这个缘故，他把希望寄托在儿子身上，在他眼中，儿子是他生命的延续，他下定决心要把儿子培养成举世闻名的大画家，为此，在音乐家懂事以后，爸爸就开始培养儿子对美术的兴趣。
然而，音乐家讨厌画画，喜欢音乐，他渴望自己能够拥有一架钢琴，可是，爸爸妈妈没有意识到儿子的音乐才能，他们一心一意要把儿子送上画家的台阶。
渐渐的，在音乐家的眼中，五彩缤纷的世界再也不存在了，地球变成灰色的。
在父母想方设法把儿子送进全国第一流的美术学院时，忍无可忍的音乐家对此表示抗议。
“我不想去美术学院！”音乐家大声宣布。
“为什么？”爸爸一愣。
“我讨厌画画！”音乐家回答。
“你……”爸爸做梦也没想到儿子竟然会说出这样的话来。“你再说一遍！”
“我讨厌画画，我想当音乐家！”音乐家一本正经地说。
“住口！”爸爸勃然大怒，“你是我儿子，你身上只有美术细胞，没有音乐细胞！”
“可我喜欢音乐！”音乐家说。
“喜欢音乐并不等于就能当音乐家！”爸爸反驳。
经过一番舌战，音乐家终于屈服了，他不得不循规蹈矩的依照父母给他设计好的路子前进，然而，他并没有成为画家。
“一位音乐天才就这样被人类扼杀了！”上帝遗憾地想。
他为人类叹息。
音乐家的故事三：
在西方音乐史上，天才并不少见，但作曲能够做到像吃饭和呼吸那样随意的人却不多见，尤其是从小就如此。但莫扎特就是这样的人。他3岁就能在钢琴上弹奏许多他所听到过的乐曲片断，5岁就能准确无误地辨明任何乐器上奏出的单音、双音、和弦的音名，甚至可以轻易地说出杯子、铃铛等器皿碰撞时所发出的音高。如此过硬的绝对音准观念是绝大多数职业乐师一辈子都达不到的。6岁和姐姐一起跟随父亲到欧洲各国旅行演出，轰动了欧洲。正因为如此，莫扎特在当时就被公认为“音乐神童”。莫扎特也许不是最伟大的作曲家，但他绝对是公认的最伟大的音乐天才。就连伟大的音乐家柴可夫斯基都把他称作是音乐的基督。曾有人这么说：“在音乐史上有一个光明的时刻，所有的对立者都和解了，所有的紧张都消除了，那光明的时刻便是莫扎特。”
1756年，莫扎特出生于奥地利萨尔兹堡。他父亲是一位宫廷乐师，这使莫扎特从很小就接受了音乐的熏陶。他自幼便展现出那无与伦比的音乐天赋：3岁开始弹琴，6岁开始作曲，8岁写下了第一部交响乐，11岁便完成了他的第一部歌剧，14岁指挥乐队演出了该歌剧。可以这么说，莫扎特是为音乐而生的，从他出生的那一刻开始，他就和音乐熔为一体了。
16岁时的莫扎特被任命为萨尔兹堡宫廷的管风琴师。虽然在这段时间，莫扎特创作了大量的优秀作品，但他无法忍受萨尔兹堡大主教的颐指气使，任意欺凌。在那里，莫扎特只是一个会弹琴的佣人，他曾向他的父亲这样描述他在宫廷晚餐上的同伴：两名男仆，管家，点心师父，两名厨师，男仆坐在上座，莫扎特位列厨师之上。终于在1781年，莫扎特脱离了对大主教的依附，成为了历史上第一位自由作曲家，并来到了维也纳发展。在维也纳，莫扎特靠教私人学生，举行音乐会演出和出版作品为生。在这段时间，莫扎特接触到了巴赫、亨得尔的作品，并结识了海顿，从而丰富了他的音乐理念。
在维也纳，莫扎特的音乐成就是令人惊叹的，他曾这样来描述他的音乐创作：“无论多长的作品都在我的脑中完成。我从记忆中取出早已储存好的东西。因此，写到纸上的速度就相当快了，因为一切都已完备，它在纸上的模样跟我想象的几乎毫无二致。所以在工作中我不怕被打扰，无论发生什么，我甚至可以边写边说话。”可怜就是这样一位天才，在他正当壮年的时候却因为感染风寒而去世了，死时年仅35岁。在他生命的最后一天（1791年12月9日），他仍在创作，可惜天嫉英才，莫扎特留下了他那未完成的《安魂曲》，而撒手人间，成为了音乐史上最大的遗憾之一。
作为一个早熟的天才，莫扎特受到过王公贵族的种种厚爱和赞赏，但也饱尝了贵族社会对他人格的蔑视和侮辱，身心遭到一次次打击。在当时的社会上，做一个自由作曲家并不为人们认可，选择这条道路就等于选择了艰辛。莫扎特的父亲力劝他的儿子向大主教赔礼道歉，重归于好，但莫扎特坚决拒绝。他在给父亲的回信中写道：“我不能再忍受这些了。心灵使人高尚起来。我不是公爵，但可能比很多继承来的公爵要正直得多。我准备牺牲我的幸福、我的健康以至我的生命。我的人格，对于我，对于你，都应该是最珍贵的！”莫扎特来到维也纳的时刻，也就是他开始苦难生活的时刻。
在维也纳的大部分时间里，莫扎特都是在窘迫中度过的。他一生中的最后两年是他经济最困难的时期。困苦的生活使他的身体越来越糟，他不得不经常向朋友们求援。当他最后一部杰出的歌剧《魔笛》（TheMagicFlute）首场公演时，他已痼疾缠身。1791年12月5日他去世时，妻子正患重病，家里连一个零钱也没有。出殡那天，狂风呼啸，大雪纷飞，恶劣的气候迫使几位送葬的亲友都中途返回。最后他被埋在了一个穷人的墓地里，几天后他的妻子前往墓地时，已无法找到准确的墓址。人类文明史上的一代奇才就这样无影无踪地消失了，身后留下尚未还清的1682弗罗林的债务。
比起长寿而晚成的海顿来，莫扎特刚好相反。然而就在他不足36岁的一生里，却为人们创造出数量惊人的音乐瑰宝。其中包括歌剧22部，以《费加罗的婚礼》、《唐•璜》、《魔笛》最为著名；交响曲41部，以第39、40、41交响曲最为著名；钢琴协奏曲27部，以第20、21、23、24、26、27钢琴协奏曲最为著名；小提琴协奏曲6部，以第4、第5小提琴协奏曲最为著名；此外，他还写了大量各种体裁的器乐与声乐作品。
尽管莫扎特的一生充满坎坷和艰辛，但他的音乐始终给人带来的是真正的纯美。著名的音乐评论家罗曼•罗兰为莫扎特做出了如下的评价：“他的音乐是生活的画像，但那是美化了的生活。旋律尽管是精神的反映，但它必须取悦于精神，而不伤及肉体或损害听觉。所以，在莫扎特那里，音乐是生活和谐的表达。不仅他的歌剧，而且他所有的作品都是如此。他的音乐，无论看起来如何，总是指向心灵而非智力，并且始终在表达情感或激情，但绝无令人不快或唐突的激情。”
美国音乐学者约瑟夫。马克利斯说得好：“在音乐历史中有这样一个时刻：各个对立面都一致了，所有的紧张关系都消除了。莫扎特就是那个灿烂的时刻。”
音乐家的故事四：
17世纪上半叶的德国上空被那浓烟迷雾覆盖着。这是一个窒息人性的阴森世界。大小公侯、僧侣和神甫们为了争权夺利，利用新教和旧教的分歧，分成两个阵营，各自勾结外国势力，在本国的国土上烧杀抢掠，从1618年起一直打到1648年。持续了30年之久的这场残酷的战争使德国人口减去1/3，城市萧条，土地荒芜，矿山损坏，工商业衰退。统治者用棍棒和鞭子维持他们的专治统治。自由农民犹如白乌鸦一样稀少。这是德国历史上最黑暗的时期。
但是，漫长的黑夜总会有几缕星光的。就在这样一个动乱的时代却孕育了18世纪欧洲音乐的巨擘、古典音乐大师巴赫。他的音乐像一道闪光，给德国黑暗时代带来了一线光明，并影响着未来世界音乐的发展。巴赫这个家族注定要和音乐结下不解之缘，在近两百年的时间中，巴赫家族出现了许多位音乐家。1685年3月21日，星期六。历史的镜头聚焦在德国中部图林根地区一个叫爱森纳赫的小镇。镇上的一所二层红顶楼房内，一个啼声洪亮的男婴呱呱坠地了。两天以后，孩子在圣奥尔格教堂受洗，父母为他取名约翰•塞巴斯蒂安。孩子的父亲是镇乐队的指挥。在塞巴斯蒂安出生以前，巴赫家族已在图林根生息繁衍了五代人。从他的祖父一代开始，整个家族就以音乐为主要职业，真可谓是音乐世家。
在家庭环境的熏陶下，巴赫从小就受到了良好的音乐教育。在父亲的教导下，他能熟练演奏小提琴和中提琴，还在他就学的当地学校的唱诗班中崭露头角。巴赫虽说没有像后来的莫扎特那样从小就被称为神童，却也在平实的家庭教育中打下了扎实的音乐功底。巴赫10岁时便父母双亡，不得不背井离乡，来到奥尔德鲁夫他大哥家居住。巴赫在这位当管风琴师的兄长指导下，掌握了键盘乐器的演奏技巧，为日后成为键盘乐器演奏大师奠定了基础。由于家庭和经济的原因，巴赫没能像亨德尔那样去接受大学教育，在15岁时就远行到吕内堡求学。在三年多艰苦的求学历程中，巴赫广泛汲取了前人留下的丰富营养，亲自拜访了附近的一些音乐名师，掌握了精湛的作曲技巧。
18岁时，巴赫的音乐生涯开始了。在当时的保护人制度下，巴赫不可能如后来的李斯特和帕格尼尼一般风光，更不可能像今天的明星一样大红大紫，而是以仆人的身份，在保护人的荫庇下生活和创作。这虽然让巴赫有了稳定的收入，却也不可避免地要和保护人发生冲突，乃至蒙受屈辱。巴赫最初于1703年和1707年先后在阿恩施塔特和米尔豪森的教堂中任管风琴师，创作也以宗教音乐为主。随着演奏技巧和作曲技艺的日趋成熟，巴赫随之声名鹊起，成为了一名宫廷乐师。从1708年到1723年的15年间，巴赫先后在魏玛和科滕的宫廷中供职。
在科滕的日子是巴赫一生中的一个黄金时代。此间他创作了被誉为“键盘乐的旧约圣经”的《平均律钢琴曲集》第一卷，和在管弦乐发展史上堪称里程碑的《勃兰登堡协奏曲》等大量出色的世俗和宗教音乐。1723年，巴赫的主人科滕亲王对音乐的兴趣似乎淡漠了，于是他辞去了宫廷中的职务，来到莱比锡出任圣托马斯教堂学校的音乐指导，在那里他度过了一生中余下的27年时间。
莱比锡时期是巴赫一生中最长的一个时期，也是创作最多的时期。此时的巴赫无论演奏技巧还是作曲水平都已到了炉火纯青的地步。他在莱比锡谱写的杰作，有感人至深的《b小调弥撒》和《马太受难乐》，《平均律钢琴曲集》第二卷和体现他高深作曲造诣的《赋格的艺术》等。1747年，这位无冕音乐之王去波茨坦旅行时被另一位国王—普鲁士国王腓特烈召见，并表演了即兴演奏，在座的观众无不为之折服。第二年，巴赫把这次演奏的主题加以发展，写成了另一部总结他作曲和演奏艺术的作品——《音乐的奉献》。
由于他长期用眼过度，巴赫视力减退（也许正因为如此，画像上的巴赫总是眯着眼睛），晚年患白内障失明了，但他仍用口授的方式坚持创作。在逝世的前几天，他还在口授一首众赞歌《走向主的神坛》。乐曲每一个音符都表达出老人生前最后的虔诚祈祷，最后在第26小节处嘎然而止，成了大师的绝笔之作。
1750年7月28日夜，巴赫的一生画上了最后一个休止符，安然地走向了他心中的神坛。三天后，巴赫在莱比锡圣约翰教堂墓地下葬。此时，维瓦尔第已入土9年，他另一位伟大的同行亨德尔也因失明，创作渐少。可以说，随着巴赫的逝世，音乐的巴罗克时代也就结束了。
音乐家的故事五：
维也纳的秋天是美丽而动人的。金秋十月，我们来到了这里。著名的维也纳森林被染成了金黄色，蓝色多瑙河泛着银光，一座座造型逼真的音乐家雕像仿佛在无声地讲述着自己的故事。维也纳，不愧为“音乐之都”，似乎这里一草一木，一山一水，一砖一瓦，都跳动着欢乐的音符，回荡着迷人的旋律……
“音乐神童”莫扎特的白色大理石雕像耸立在内环城路皇宫公园的入口处。雕像前的绿色草坪里，一组玫瑰花组成的高音谱号格外引人注目。
莫扎特的艺术生命短暂而又辉煌。他于1756年1月27日出生在奥地利萨尔茨堡的一个音乐世家。3岁跟随父亲学习钢琴，6岁开始了其辉煌的艺术生涯，他不仅在萨尔茨堡大主教的宫廷中演出，而且还被带进维也纳的美泉宫为玛丽亚．特蕾西亚女皇演奏。8岁开始创作，11岁写出第一部歌剧，14岁便成为著名的波伦亚学院院士。1781年他不顾父亲的劝告，辞去萨尔茨堡大主教府乐师之职，定居音乐之都维也纳。
他一生创作了二十多部歌剧，四十多部交响曲，四十多首钢琴协奏曲、小提琴协奏曲和其他乐器协奏曲，五十多首钢琴奏鸣曲和小提琴奏鸣曲以及大量其他类型的室内乐和声乐作品。
意大利音乐家罗西尼说：“莫扎特不是最伟大的音乐家，他实在是世界唯一的音乐家。”我国艺术教育家丰子恺说，莫扎特的音乐里全然没有欲望，只有美。罗马教皇十分欣赏莫扎特的天才，授予他“骑士”称号。莫扎特非常高兴，以后经常自称“骑士莫扎特。”
然而，在他短暂的35年生涯中，贫困总是伴随着他。据说，在一个寒冬的早晨，一位朋友前去拜访，看见莫扎特夫妇正携手跳舞。一问才知道，他们因为无钱买煤生火，只好以跳舞御寒。
“我一生只写了几个音符”
音乐大师贝多芬的青铜像位于内环城路一个广场的中央。他1770年生于德国古城波恩，4岁开始学习小提琴和钢琴，8岁公开表演，14岁继承祖业进入宫廷乐队。22岁离开故乡迁居维也纳，写下了脍炙人口的名作。
贝多芬是一个多产的作曲家，他的重要作品都是在维也纳完成的，而最具代表性的作品又都是在他耳疾十分严重的情况下创作的，著名的《第九交响曲》就是他失聪后的杰作。
贝多芬的音乐风格与莫扎特不同。莫扎特的音乐是感觉的艺术，体现的是一种宫廷的审美风尚，而贝多芬的音乐是灵魂的绝唱，更具有社会性和思想性。
据说，贝多芬的《第三交响曲》（《英雄交响曲》）本来是为他崇拜的英雄拿破仑所作。作曲家以希腊神州中的巨人普罗米修斯的形象来刻画自己心目中的民族英雄。交响曲完成后贝多芬在封面上题了“献给英雄拿破仑”几个字，打算托人转呈拿破仑。但当他听到拿破仑称帝的消息后，异常愤怒：“想不到这家伙也是平庸之辈。”于是把《英雄交响曲》撕得粉碎，扔在地板上。后在朋友的劝说下，把乐曲改题为“为一伟人而作的英雄交响曲”，公开出版。后来，拿破仑被流放到圣赫勒拿岛上时，贝多芬冷笑道：“我已经为他的没落作曲，《英雄交响曲》的第二乐章的葬礼曲不是在17年前暗示了他的命运吗？”
贝多芬的一生充满着患难和困苦。1827年，在一个暴风雨的日子里，贝多芬这位“波恩的英雄”离开了人世。
“咳！我一生只写了几个音符。”这就是音乐大师的最后遗言。寥寥数语更显他的伟大。
“闪烁着神圣的光芒”
在贝多芬铜像的旁边是舒伯特的铜像。舒伯特在他短暂（只活了31岁）而不幸的一生中，创作了数以千计的作品。其中有六百多首艺术歌曲，故被称作“歌曲之王”。
舒伯特的作品形象生动，感染力强。他在继承前人的基础上，把歌曲艺术提高到一个新水平，开创了艺术歌曲的新时代。他从莎士比亚、歌德、海涅等人的诗作中找到了自己的音乐语言，谱写出一曲曲流动的“音乐诗”。据说，《听啊！云雀！》是在15分钟的时间里完成的。有一天，他同几位朋友散步到维也纳郊外，到一家饭店用餐。舒伯特随手拿起餐桌上放的一本莎士比亚诗集读起来。忽然，他说，“多么美妙的旋律啊，没有五线纸怎么办？”朋友们马上把餐桌上的菜单翻过来，用铅笔划上五条线，递给他。他一气呵成，写完了全曲。
舒伯特仰慕贝多芬。一天，他带着自己的歌曲选集，随出版人一同去拜访贝多芬。不巧，贝多芬不在家，未能见到。后来，贝多芬看到舒伯特的作品，十分欣赏，认为作品中“闪烁着神圣的光芒”。此时的贝多芬已病入膏盲。舒伯特听到这个消息后，立即赶到贝多芬病床前，两个见了第一面，也是最后一面。不久，贝多芬与世长辞。舒伯特十分悲痛。
贝多芬逝世18个月后，舒伯特也驾鹤西去。舒伯特临终遗言，希望死后葬在贝多芬墓旁。他的家人和朋友满足了他的遗愿。
《蓝色多瑙河》为振国威而作
小约翰．施特劳斯可谓一生顺畅，终身显赫，就连死后，似乎也受到了特殊的优待。在维也纳的城市公园里，我们参观了著名的施特劳斯金像。这位“圆舞曲之王”站在高高的乐坛上，专心致志地拉着小提琴。在他的后面，装饰着漂亮的环状大理石浮雕。现在，这里已经成为维也纳的一大景观。我们还没有拍完照，就看到一对华裔新婚夫妇来此拍照留念。
小约翰．施特劳斯出身音乐世家，一生写了五百多首作品，大部分是舞曲音乐，包括圆舞曲、波尔卡、进行曲以及一些轻歌剧。其中以他所创造的典型的“维也纳圆舞曲”著称，特别是他的《蓝色多瑙河》在全世界广泛流传。
据说，他的《蓝色多瑙河》是为了重振国威而创作的。1866年7月，奥地利在普奥战争中惨败，维也纳市民情绪低沉。当时，维也纳男声合唱协会指挥赫贝克约请施特劳斯写一首歌颂祖国河山的合唱曲，以激发人们的民族自豪感。
一天，作曲家突然想起了德国诗人卡尔．贝克描写多瑙河的诗句：“在那多瑙河边，在那美丽的、蔚蓝色多瑙河边……”
诗中迷人的意境点化了作曲家的音乐灵感。旋律犹如泉涌，流泻在他的笔端。一首无词的《蓝色多瑙河》圆舞曲诞生了。
乐曲写好后，赫贝克请一位奥地利职业警察兼家庭诗人约瑟夫．怀尔填词。因歌词粗劣，内容不合时宜，这首合唱曲在1867年2月15日首演时，听众反应平平。半年后，在巴黎国际博览会上，由作曲家亲自指挥演出了管弦乐曲《蓝色多瑙河》，却获得了意想不到的成功。第二天，法国诗人巴比叶用法文为圆舞曲重新填写歌词。以后，管弦乐曲和合唱曲《蓝色多瑙河》便风靡全球，成为施特劳斯的代表作。
瓦格纳赞誉这部作品“在优美、精致和真正的音乐方面，超过了当时许多作品”。
在维也纳金色大厅听一场音乐会，几乎是所有到访者的心愿。奥地利接待方非常理解我们的心情，提前为我们订好了入场券。当天晚上，中国驻奥地利大使的宴请尚未结束，我们就歉意地中途告退，匆匆赶往金色大厅。
音乐会由下奥地利州交响乐团演奏，著名指挥家小泽征尔的学生本寺郎执棒，金色大厅金碧辉煌，座无虚席。第一首曲子是罗西尼的歌剧《威廉．退尔》序曲。威廉．退尔是瑞士民间传说中的英雄人物。他忠厚善良，不畏强暴，射杀了企图谋害他的奥地利地方官员。在退尔的感召下，瑞士人民相继起义，推翻了哈布斯堡家族统治。1804年，在德国民族危机日益加剧的形势下，德国诗人和剧作家席勒以此为题材创作了爱国主义诗剧《威廉．退尔》。
罗西尼的歌剧《威廉．退尔》就是根据这部剧作编写的。歌剧的序曲由四部分组成。第一部分描绘了阿尔卑斯山区美丽的自然风光，音乐柔美恬静；第二部分描写了暴风雨来临的景致，急速的弦乐声和鼓声，如狂风大作，如电闪雷鸣；第三部分是暴风雨后的田园景色，施律好像是一首阿尔卑斯山的牧歌；第四部分是骑兵进行曲，乐曲雄浑。序曲演奏结束时，会场爆发出热烈的掌声。
第二首曲子是瑞士作曲家施奈德的长号奏鸣曲，长号乐手为世界著名的澳大利亚人达宾。他的演奏生动、传神、圆润。演奏结束后，赢得了经久不息的掌声。他只好加演了一首舒伯特的长号奏鸣曲。最后一首曲子是比利时作曲家弗朗克的d小调交响曲。曲子气势恢弘，旋律活泼明快，情绪昂扬激奋，把音乐会推向了高潮
音乐家的故事六：
聂耳是云南玉溪人，出生于昆明。聂耳从小喜爱音乐，1918年就读于昆明师范附属小学。利用课余时间，聂耳自学了笛子、二胡、三弦和月琴等乐器，并开始担任学校“儿童乐队”的指挥。
其实聂耳的原名并不叫聂耳，而叫聂守信。那麽聂耳的名字是怎麽来的呢？这里还有一段有趣的故事。
聂耳天生听力特别好，这也可以说是音乐家的天份吧。他不但有音乐天份，而且他又具有表演的才能，擅于模仿各种人的声音和表情．有一次在明月歌舞团的联欢会上，他不仅表演舞蹈，还模仿各种人讲话的声音，还有一个更精彩的节目就是表演两只耳朵分别一前一后地动，这点是一般人难以做到的，他这一举动把大家逗得大笑起来。从此他就在歌舞团出了名，成了大家公认的“耳朵先生”。他的听力好，也是促成这个外号的原因之一吧。当时他自己觉得这外号很富于幽默感，干脆改名为“聂耳”了，并在自用的便笺上印上了“耳、耳、耳、耳”，他的名字便由这四个耳字组成了，这样成了习惯，人们倒把他的原名聂守信给忘了。
聂耳在创作上最注重生活的体验和感受，大家都会唱的《卖报歌》就足以证明了这一点。那是在1933年的秋天的一个傍晚，他约朋友周伯勋出去走走，他边走边对朋友说：这条路上有一位卖报的小姑娘，卖报时喊的名字很动听，想让周伯勋也听一听。当他们走到吕班路（现在的上海重庆南路）口时，果然看到了一小姑娘走来走去，匆忙地卖着晚报，她声音清脆、响亮、有顺序地叫卖着报名和价钱。聂耳走过去买了几份报，同时跟她聊了起来，知道她父亲有病，家庭生活困难。在回家的路上聂耳沉重地说：“很想把卖报儿童的悲惨生活写出来，要请田汉或者安娥写词”。
过了几天，安娥把词写好了，聂耳找到了那位小姑娘，把歌词念给她听，然后问她有没有不合适的地方，小姑娘想了一下说：“都挺好，但如果能把铜板儿能买几份报的话也写在里边，我就可以边唱边卖了。”聂耳回去立即和安娥商量，在歌词中添上了“七个铜板能买两份报”的句子。后来那位小姑娘真的一边唱一边卖，她的歌声使她的生意也好了起来。现在聂耳早已去世了，但那位小姑娘还活着，已成为白发斑斑的老人了。人总是要死的，但聂耳的《卖报歌》将长存于世。
1931年4月聂耳考入李锦辉主办的“明月歌舞剧社”，任小提琴手。1932年7月发表《中国歌舞短论》，并因批评黎氏被迫离团。1932年11月进入联华影业公司工作，参加“苏联之友社”音乐小组，并组织“中国新兴音乐研究会”，参加左翼戏剧家联盟音乐组。1933年，聂耳加入中国共产党。
1934年4月聂耳加入百代唱片公司主持音乐部工作，同时建立百代国乐队（又名“森森国乐队”）。这也是聂耳最多产的一年。1935年初，聂耳创作了著名的《义勇军进行曲》
“一？/SPAN>二八”以后，中共提出在文艺界发展党员，壮大左翼力量。年轻活跃的聂耳被列为首批培养对象。培养和联系人是上海左翼剧团联盟负责人田汉，后来介绍聂耳入党的也正是田汉。但在聂耳目前保留下来的十多万字的**记、文章、书札里，关于田汉的描述却很少，即使有，也大多是流水账式的记录，至多用“很好”这样的字眼笼统地表示一下。在田汉的眼里，聂耳最初只是一个有着不平凡经历的追求革命的贫苦学生，两人阅历、资历以及性格都存在着极大的差异。但这并不妨碍田、聂二人在音乐创作中的默契合作。
1933年至1935年两年间，田汉作词，聂耳作曲，一同创作了《开矿歌》、《大路歌》、《毕业歌》、《码头工人》、《苦力歌》、《打砖歌》、《打桩歌》、《告别南洋》、《春回来了》、《慰劳歌》、《梅娘曲》、《打长江》、《采菱歌》、《义勇军进行曲》等十四首歌曲，几乎占了聂耳全部作品的一半。聂耳的处女作《开矿歌》是两人合作的开端。后来被作为中华人民共和国国歌的《义勇军进行曲》则是两人合作的巅峰。
1935年1月聂耳任联华二厂音乐部主任。1935年7月17**，年仅23岁的聂耳在**本藤泽市游泳时不幸溺水身亡。
音乐家的故事七：
肖邦1819年出生于波兰，父亲是一位家庭教师，母亲特别喜欢唱歌，在肖邦还没有出生的时候，母亲便一首一首的唱给肚子里的孩子听，她真希望，宝宝能听懂她的歌声，等到小肖邦出世以后，母亲也经常给肖邦唱波兰民歌，虽然那是肖邦只是一个喜欢哭哭闹闹的婴儿，但是每当听到母亲的歌声时，总是非常的安静。
在肖邦4岁那年，家里添置了一台钢琴，母亲常常带着肖邦边弹，边唱波兰民歌。
一天，肖邦自己爬上了钢琴上，去寻找妈妈平时给他弹奏的旋律，而母亲和父亲正在隔壁房间里商店给肖邦找一位钢琴老师呢，当他们听到钢琴房间里断断续续传来的琴声，他们惊呆了。
“莫非是肖邦在弹琴？”肖邦的父亲非常惊讶的问
“是的，是那首民歌”
他们急忙奔向了琴房，果然，肖邦正在凳子上用小手指头找琴键呢，就连父亲和母亲进来都没有听见，他弹的非常专心，知道父母在一旁听见肖邦把曲子弹完。
“孩子你真聪明”父亲一把抱住了肖邦。父亲在看到孩子的音乐才华以后，毫不迟疑的给他请了个钢琴老师，对他进行了严格正规的演奏训练。
老师不仅教他弹琴，还给肖邦讲莫扎特，贝多芬等音乐家的成才故事，这样以来，肖邦在练习上更加刻苦了。不久以后，7岁的肖邦就学会了自己作曲。
8岁的时候肖邦便登台演出了，流水般的乐曲从一个8岁的孩子手中流淌出来，人们都惊讶不已。
有一年的夏天，肖邦的父母带着他到乡下去度假，在那里他听到了好多好听的波兰民歌，14岁那年，肖邦对波兰民歌已经到了迷恋的状态，他经常去乡间收集民歌，到农田干活听农民们唱歌，然后把这些歌曲记录下来。祖国的文化、民族民间的音乐，就像种子一样，播种在肖邦的心田里。
19岁那年，肖邦以优异的成绩从音乐学院毕业了，第二年，他决定到法国去寻找艺术前程，从此，他开始了大量音乐创作，这些作品都带有浓厚的波兰民族色彩。
肖邦的作品几乎全是钢琴曲。尽管他的老师埃尔斯纳等曾一再鼓励他从事民族歌剧的创作，但是肖邦很清楚自己的所长和所短，始终局限于钢琴创作。创作范围的局限丝毫不影响尚邦作为作曲家的伟大。他在钢琴音乐的领域内，不仅写下了大量杰出的作品，并且对钢琴音乐、乃至整个音乐创作的历史发展作出了重大的贡献。他的作品继承、发扬了欧洲十八、十九世纪初古典音乐的传统，大大地丰富了欧洲十九世纪上半叶浪漫主义音乐的天地，并对十九世纪下半叶浪漫主义音乐的继续发展、各民族乐派的兴起，以及此后整个近现代音乐的发展(包括十九、二十世纪之交的印象主义音乐等)，有很大的启发和影响。他的充满独创性的作品中常富有宽广如歌、感人至深的旋律，和声色彩丰富而极有表现力，节奏生动，并常与波兰民间音乐、舞蹈有密切的联系，在形式体裁上也是多样的，同样具有高度创造性。
音乐家的故事八：
“钢琴之王”李斯特，十九世纪初欧洲浪漫主义杰出的作曲家之一。他和法国作曲家柏辽兹同为欧洲“标题音乐”的倡导者和创立者。李斯特在他的一生中，努力探索并发展了浪漫主义音乐，把浪漫主义音乐提到了一个崭新的高度。在音乐创作上，他打破传统的形式，大胆创造新的音乐形式和风格，尤其是他在钢琴演奏技术上的探索与追求，为现代钢琴演奏技术奠定了基础，开辟了现代钢琴演奏的道路。
弗朗兹．李斯特于1811年10月22**生于匈牙利雷丁市埃斯特哈齐公爵庄园一个管家的家里。他的父亲是一个具有相当水平的业余音乐家。李斯特六岁时开始跟父亲学习钢琴，由于父亲严格要求和李斯特所具有的超人的音乐天才，他在钢琴演奏技艺上获得了突飞猛进的进展。1820年，九岁的李斯特在厄登布尔格举行了他的第一次公开演奏会。在那次音乐全上，年幼的李斯特以他那超群的天才技艺震惊了整个厄登布尔格。因此，他获得了几位贵族的资助，来到了欧洲文化名城维也纳继续深造。他拜当时欧洲著名的钢琴家车尔尼(贝多芬的弟子)为师学习钢琴，同时向萨里埃里(贝多芬的老师)学习作曲。1823年，李斯特来到巴黎，准备报考著名的巴黎音乐学院，但当时巴黎音乐学院院长、著名的作曲家凯鲁比尼却以他的外籍身份而拒绝他入学。这一沉重的打击并没有使顽强的李斯特丧失信心，反到使他变得更加坚强。他依靠其他关系，私下里跟随雷特和帕耶尔继续学习音乐，同时在巴黎频繁举行演奏会。刻苦的学习与磨炼使他很快成为了当时欧洲屈指可数的钢琴演奏家和作曲家。
1824年，李斯特首次访问英国，获得了具大成功。在以后的几年里，李斯特频繁来往于欧洲各国，广泛进行旅行演出。同时他还结识了当时欧洲的许多著名的作曲家如肖邦、柏辽兹、帕格尼尼等，这些会见对浪漫主义音乐的发展和李斯特以后的创作活动都有很大帮助。1847年，李斯特就任魏玛宫廷乐长，从此声名大振，成为欧洲音乐界的权威人士。
1865年，李斯特进了修道院，至死身着僧衣。从1870年起，他经常往来于罗马，魏玛，巴黎，贝鲁特之间。这段时间，他一面教学、传教，一面从事创作。1875年，李斯特创办了布达佩斯音乐学院并任院长，积极从事教学活动。他的弟子达五百多人，其中包括著名的钢琴家兼指挥家汉斯．冯．保洛等一些音乐英才。1886年，李斯特因肺病逝于贝鲁特。
李斯特的创作在十九世纪音乐艺术上具特殊代表性，属于较为激进的浪漫主义作曲家。和柏辽兹一样，他也是标题音乐的支持者和推动者。他首创了标题交响诗这一新体裁。为标题音乐的发展作出了巨大的贡献。李斯特一生留下了一千多首作品，其中许多在今天的音乐舞台上仍占有重要地位。他的作品大约分为两类：钢琴音乐和交响音乐，此外还有许多歌曲和室内乐作品。李斯特的钢琴曲技巧辉煌，旋律具有浓郁的匈牙利民族风格，形式上也具有鲜明的独创性。他的钢琴代表作品有两部钢琴协奏曲，二十首匈牙利狂想曲和《b小调钢琴奏鸣曲》等等。在交响音乐方面，李斯特写下了二十首交响诗和两部交响曲，这些作品的文学内容和色彩都非常强烈，它们大都是取材于当时一些浪漫派作家如雨果、拉马丁、席勒等人的文学名著。其中著名的有《前奏曲》、《玛捷帕》、《塔索》等等。
音乐家的故事九：
与很多著名的音乐家一样，柴可夫斯基也有着一颗孤独的灵魂。在感情的世界里，他将自己美好的祝愿献给了听众，却独自承受着灵魂的煎熬。当时，在柴可夫斯基的身边，只有一个女人跟他有着亲密的关系，那就是娜蒂契达·冯·梅克。然而令人惊叹的是，他俩的交往自始至终仅限于书信的来往。这两个互相爱慕的人从未见过面，虽然有时彼此的住地近在咫尺！
梅克夫人是一位有一群儿女的富孀。她听过他的《暴风雨》序曲的钢琴改编曲。
多么崇高的音乐呀！诚然，有些忧郁，但正跟她自己的忧郁气质相称。她恳求他继续作曲。她对他的生活一无所知，除了他在信中告诉她的之外。他是个工程师的儿子……一个学法律的学生……但“极其迷恋音乐”，……师事于鲁宾斯坦……，现在，三十六岁了，还“在声之海洋中漂泊，望不到一个安全的港口”。
梅克夫人就致力于为柴可夫斯基提供这种安全的港口。
柴可夫斯基和这位夫人维持着奇特的友谊，她只从他送给她的照片中知道他的外貌，但是她了解他内心最深处的思想。娜蒂契达以她的精明机智和女性的好心肠赢得了他完全的信任。她从来不多打听他不愿说的事。在他绝望的时刻，她安慰他，倾听他的诉苦并使他有勇气继续干下去。她经常解救他的经济困难。没有其他女人能成功地迫使这位高傲而敏感的人接受经济援助。
由于柴可夫斯基自己在经济上乐于助人，所以他对接受梅克夫人的慷慨帮助也就毫不介意。对他们的奇特关系他也处之泰然。这是一种母亲对儿子的关系，联系他们的纽带就是他的音乐。但他们必须永不见面，否则音乐的关系就会被某种太现实、太物质的东西所代替，友谊也就不可能继续下去。娜蒂契达趁着到国外旅行空出她自己的住房之际，邀请柴可夫斯基在她外出期间住到这里来，翻阅她的书籍，参观她的藏画，好让她回来时能在隐隐之中到处感觉到他的存在。1878年冬，她从度假地佛罗伦萨提出一个更为大胆的要求。她请他到那个城市来，住在她将为他准备的、离她几英里路的一所村舍里。没有多久，他们的信件往来就仅需越过一片草地而已。每天彼得到镇上寄信取信的时候都要经过她的房子，听见她孩子们说话的声音。不过，他们还是没有见面。
但是有一天不可避免的事发生了。彼得和娜蒂契达本来已仔细地安排了他们的日程，使得一个外出时，另一个一定留在屋里。但是有一次，他们终于在计算上出了差错，两个人同时都出来了。他们的马车沿着大街渐渐靠近。当两架车相互擦过的时候，柴可夫斯基无意中抬起头来直直地盯着梅克夫人的眼睛。他们彼此凝视着有好几秒钟。然后，柴可夫斯基一言不发地欠了欠身子。孀妇同样一本正经地回欠了一下，就命令马车夫继续赶路了。柴可夫斯基一到家就写了一封信给梅克夫人，“原谅我的粗心大意吧！娜蒂契达·维拉蕾托夫娜！”娜蒂契达对这次的见面倒很高兴。“它使我确信你就近在我的身旁这样一个现实。”
在他们这段漫长的诗一样的夏日生活中，这是他们最亲密的一次接触了……在这个使他们如此亲近的假期后不久，柴可夫斯基给这位孀妇送去他的《第四交响曲》的钢琴改编曲……。她“如醉如痴地陶醉在奇妙的旋律中，不吃也不睡达四十八小时”。然后她写了一封信给柴可夫斯基，信中彻底地向他倾吐了衷情“我爱你胜过其他任何一个人；我珍惜你胜过世界上所有的东西。如果这个消息使你烦恼，那就原谅我吧。反正我已经说出口了。理由是——你的交响曲。”……他现在已经接近成功的顶峰。他接到邀请到美国六大城市指挥一个音乐会巡回演出。从来没有一个俄国作曲家得到过这样的荣誉。上苍似乎终于向他展示了笑脸。
谁知正在他准备启程前往美国之前，来了一个突然的打击。娜蒂契达·冯·梅克用了她从未用过的语气给他写了一封信。她以一种简慢的、办理事务式的态度通知他，她的财产正处于全面崩溃的边缘，因而从此以后她无法再供给他任何款项，并告诉他，他们之间的亲密关系必须结束了。
信中的语气使他大吃一惊……这个打击使他心烦意乱。“她对你和你的音乐感到厌烦了，”一个声音不断地跟他这样说，“现在作为她的雇用人员你已尽了你的职责，她要摆脱你了……”但他仍抱着一线希望，事情可能出于误会。她肯定会再给他来封信解释一切的。一天又一天，他等待着这封信——但它没有来。他登上开往美国的轮船，到达纽约时受到喧闹的欢迎。他在新世界成了偶象。太太、阔佬、教育家、新闻记者、马车夫——所有的人都卑躬屈膝地拜倒在地。但这些都是空虚的光荣。他愿将所有这一切换得娜蒂契达的只言片语。在那几个月中他老得快极了。记者们写道，他是“一个外表颇为有趣的六十岁左右的老人”，实际上他那时才五十岁。他匆匆赶回莫斯科。但仍无娜蒂契达的音信。
《悲怆交响曲》正是柴可夫斯基在当时的心境下写下的“天鹅哀思”，这首交响曲正如标题所示，强烈地表现出“悲怆”的情绪，他描写人生的恐怖、绝望，爱情的失败、灭亡，充满了悲观的情绪。他在本曲中揭示了一个永恒的真理——死亡是绝对的、无可避免的，而生活中的所有欢乐都是转瞬即逝的。作者所体现出的这类情绪，实际上反映的是在沙皇俄国末期，俄罗斯人民处于一种被压抑状况下的真实心态。然而今天在我看来，悲怆是柴可夫斯基心中的声音，是他对不公平爱情的呐喊，那是心底激情的破灭，那是精神支柱的塌倒，那是一切美好和灵气的流逝。我无法想象他当时的心情，是否没了希望没了意义？是否生命没有了颜色？是否犹如高傲的天鹅失去了双翅无法飞翔？——孤独！
老柴与梅克夫人的故事是这样结束着的……1892年，他告诉他的兄弟，他正在创作一支新的交响曲，他的第六交响曲。这将是一首葬礼挽歌，一首为失去的友谊谱写的告别曲。当时的柴可夫斯基在无奈中离开了梅克夫人，一切都变得伤感而空虚，爱情的玻璃碎了，然而撞击出的是内心凄厉的呐喊，悲怆的旋律随之而出，它的旋律之美常使他热泪盈眶。“我相信这是我迄今为止最好的作品，反正，我知道，它是最诚挚的。”他必须给它一个特殊的标题——能表达内心……表达他所忍受的无法忍受的痛苦的标题。《悲剧交响曲》？《泪之交响曲》？不，太平凡了。最后，对他十分了解的兄弟莫迪亚，建议用《悲怆》这个名字。好极啦！《悲怆交响曲》。也许爱情让人幸福，也给人痛苦，但爱情就是一个过程，是忧伤，是力量，是希望！
《悲怆交响曲》是他最后的作品。这是一部遗书，在这里面他留赠给世界的是他的天才的光辉和他悲痛的异彩。交响曲是完成了。这时俄国正发生一场常见的霍乱时疫。柴可夫斯基粗心大意地喝了一杯受污染的水。他得了病。他极端痛苦地躺了四天，第五天，他就此长眠不起……
爱是没有国界和年代隔阂的，爱是人类共通的言语，童话中的爱情故事充满了甜蜜和美好的憧憬，而现实给予人的是残酷和无奈，伟大的作曲家也无法逃脱此劫，犹如《天鹅之死》中那柔美的翅膀，而永远说不清的是爱情的宿命，随之而来的是用爱谱写的激情与故事，感谢老柴留给我们美妙的奥杰塔旋律，感谢音乐给人类的慰籍和期盼，感谢爱情带给你我的希望，相爱不如相知……
相爱不如相知，相濡以沫不如相忘与江湖……恩，有时觉得一些美好的东西好是不要接触现实的好。美丽的东西太少了，太脆弱了
音乐家的故事十：
约瑟夫．海顿于1732年4月1**出生于奥地利的罗劳村，1809年5月1**逝世于维也纳。海顿是世界音乐史上影响巨大的重要作曲家。他是维也纳古典乐派的第一位代表人物，一位颇具创造精神的作曲家。
海顿的父亲是一个马车制造匠，母亲是个厨娘，父母都是音乐爱好者，这使海顿从小有机会受到音乐的熏陶。他的家境贫苦，为了学习，六岁就离开了父母到维也纳。海顿有着超人的音乐才华，八岁那年，被选为当时施台芳教会的儿童合唱团的团员。后来长大后，嗓子变声，被合唱团赶了出来，从此他流落街头，尝尽了世间的艰难困苦。幸运的是他被一位歌唱家发现，并得到了他的救，才勉强活了下来。这个时期可以说是他一生最为艰苦的时期。虽然生活困窘，但他热爱音乐的信念从未动摇，他努力学习音乐，最终得到了匈牙利贵族保尔．艾斯特哈齐的帮助，成为这位侯爵的宫庭乐师。此后，海顿生活安定，直到晚年。他的绝大部分作品都是这一时期创作的，由于他性格开朗，生活上又有了保障，在人格上也受到了人们的尊敬，因此他的作品听起来总有一种宁静、乐观的感觉，而不象贝多芬的音乐那样具有强烈的斗争性。
海顿对古典音乐的主要贡献是交响曲和四重奏，由于他对于交响曲体裁的形成和完善作出了巨大贡献，因此被人们称作“交响乐之父”。
海顿的性格善良，诚恳而质朴，是一个人道主义者。他的这些性格在音乐中得到了十分明显的体现。他还热心关怀青年音家，莫扎特、贝多芬等作曲家都曾向海顿求教，并且尊称他为“我们的父亲”。
海顿的音乐风格热情、典雅，充满了欢乐、幸福、和平的气氛。他的音乐就象优美的田园诗一样。他总是用这种笔调来歌颂大自，歌颂生活。在他的作品中，还经常可以感受到鲜明的奥地利民歌风格。海顿作品的另一个特点是具有巧妙的幽默感，乐曲中充满了愉快而别致的情趣。
海顿是一位多产的作曲家，作品涉及的范围也十分广泛，其中包括歌剧、神剧、清唱剧、交响曲、器乐协奏曲、弦乐四重奏以及其它室内乐作品。他最有代表性的作品有《惊愕交响曲》、《午别交响曲》、《时钟交响曲》、清唱剧《创世纪》和《皇帝四重奏》等。这些作品都与奥地利民间音乐保持着紧密的联系，深刻地反映出海顿纯朴、明朗、幽默和乐观主义音乐风格，并对后代音乐家的创作产生了巨大影响。海顿晚年两次访问伦敦都取得了巨大成功，并创作了《伦敦交响曲》。海顿一生取得了巨大成就，在世界音乐史上占有十分重要的地位。
